Mikael Blomkvist (Daniel Craig) y Lisbeth Salander (Rooney Mara) andan en busca de un asesino, un sujeto que no existe y que tendrán que ingeniarse la forma de hallarlo luego que un rico anciano renueva una antigua dolencia ocurrida hace cuarenta años: la misteriosa desaparición de Harriet, su sobrina y casi hija. La chica del dragón tatuado, ambientado en los gélidos paisajes de Suecia, es de por sí un filme lleno de misterios, cabos sueltos y turbios secretos. Por un lado, un reputado periodista “sentado en el banquillo”, acusado por difamar a un importante inversionista sobre sus dudosas ganancias; un multimillonario que acusa a toda su familia como únicos sospechosos de la desaparición de su sobrina; y la historia oculta de una joven, víctima de desbalances violentos y mentales producto de un tórrido pasado que se alberga desde su infancia.
David Fincher renueva razones para ambientar un thriller detectivesco. El director sueco Niels Arden Oplev en el 2009 ya había realizado una versión del filme, película que tuvo muy buena acogida tanto por su tratamiento como por la performance de sus actores. Fincher, sin embargo, amolda su versión adaptándola a su género, uno donde Mikael es distinto a la versión sueca, menos risueño y pasional. El personaje de Craig es un sujeto que se obsesiona fácilmente, que huele la trampa sospechando incluso del mismo que lo contrató, es por eso que nadie tiene por qué enterarse cuál es su verdadera misión en los alrededores de la mansión del multimillonario. Pero así como hay un obsesionado que medita y calcula sus pasos, también lo hay uno que es más temerario, esa es Lisbeth, siempre tratando de tomar la delantera, de aspirar a más, de apurarse en conseguir nuevas pistas, atar cabos, robar datos, estudiar fotografías. Mikael y Lisbeth es a los personajes de Freeman y Pitt en Se7en (1995), uno menos impulsivo que el otro, uno maduro, la otra joven. Fincher crea su dupla detectivesca.

Rooney Mara realiza una lograda actuación interpretando a una famélica mujer, influencia del cyber-punk, hacker, lapidaria

Una motivación más del director es referente al cauce donde se dirige el “caso”, uno que emprende un viaje sórdido sobre cómo una simple desaparición vuelca a los protagonistas a ser parte de un enorme misterio que trae una ilación de muertes. Nuevamente el tema de los asesinos en serie, también presentes en Se7en y en Zodiaco (2007), las huellas del agresor, las marcas de la víctimas, la numerología, los citados bíblicos, acertijos que tanto su descubrimiento como su desarrollo son los que promueven la dinámica del filme que va saltando entre cuartos y edificios, de una ciudad a un país, es la actitud de un sabueso trotamundos que va hurgando por todos los espacios un nuevo hilo a su madeja. La chica del dragón tatuado encarna también la figura de la “heroína”, el comportamiento postmoderno, entre el límite de la cordura y la locura producto de una incomprensión que no es nada más que la ignorancia a no saber, por ejemplo, del pasado de Lisbeth. Rooney Mara realiza una lograda actuación interpretando a una famélica mujer, influencia del cyber-punk, hacker, lapidaria contra sus agresores haciendo justicia con su propia mano, independiente, incluso de su sexualidad la que canaliza donde ella misma se sienta a gusto.

David Fincher muy a pesar peca en concentrarse tan solo en su juego de charadas descuidando la manifestación o exposición de elementos claves como por ejemplo la repentina aparición –y resolución –de una pequeña biblia que esconde una de las mayores pistas. El juego de fotografía, bien detallista en gran parte de la filmografía del director, en esta ocasión no parece alcanzar el estado lúgubre necesario, propio de su historia de detectives a punto de descubrir un misterio oscuro, y son más bien los paisajes suecos, la frialdad y su baja temperatura, los que terminan por decorar ese ambiente golpeado e indeleble. La versión sueca parece atreverse más a detallar las escenas crudas, algo que, por ejemplo, en El club de la pelea (1999) Fincher no escatimaba en resaltar la agresividad de los eventos. La chica del dragón tatuado tiene esas marcas de cine negro que en el caso de la versión sueca no usó con gran denuedo, sin embargo desatiende la dedicación de los hechos más simples pero importante dentro de la trama. La última parte es lo más extravagante del filme, un final que para comodidad de muchos pudo haberse reducido en cinco minutos.

Notas Relacionadas:

1. David Fincher presenta: ‘La Chica del Dragón Tatuado’
2. Primer afiche para ‘La Chica del Dragón Tatuado’
3. Estrenos: ‘Los Descendientes’, ‘La Chica del Dragón Tatuado’ y ‘J. Edgar’

George Clooney una vez más se enrumba al género político retratando el lado oscuro en el arte de gobernar, un espacio que a inicio se ignora pero a medida que avanza su trama se va descubriendo. Es desde este sentido que tanto Buenas noches, y buena suerte (2005) –segundo filme de Clooney – como Los idus de marzo coquetean con el género del thriller. Ambas películas hacen una indagación intencionada o no de un evento desafortunado que maltrata la correcta figura de un sujeto dedicado a la política. Clooney en su último filme se acerca al lado discursivo de sus personajes, es el estudio de sus ideas y, por lo tanto, de sus acciones mismas. La trama de la película más que la historia del gobernador Mike Morris (George Clooney) como un prometedor candidato, es la historia de Stephen (Ryan Gosling), su asesor de prensa, pieza clave y fundamental para desarrollar y fortalecer las premisas políticas de Morris. Stephen posee el perfil de una promesa política: es joven, ambicioso, hábil, comprometido, excelente en lo que hace y realiza. Es por lo tanto el menos experimentado y el más frágil a ser “tentado”.
Los idus de marzo recurre a los mismos arquetipos mitológicos que tanto apasionaron a George Lucas al hablar sobre un aprendiz seducido por el “lado oscuro”. Paul Zara (Philip Seymour Hoffman) como el asesor político de Morris, “maestro” y amigo de Stephen, mientras que por otro lado Tom Duffy (Paul Giamatti) como el asesor del otro bando. Ambos son piezas claves del filme, aquellos que irán tirando de su lado al aprendiz Stephen, conocedor de sus propias capacidades, y dueño de un ego incontrolado propio de un neófito. Uno le aconseja, mientras que el otro lo seduce. Duffy tienta a lo que de hecho Stephen no desea obtener, pero sin embargo precisa escucharlo, un modo de identificar o validar cuán fundamental son sus labores dentro de la campaña, no solamente de Morris, sino de la campaña en general. Cada vez que Stephen piensa en su compromiso político se desplaza a futuro no estancándose a las elecciones primarias sino visionándose a las presidenciales e incluso en un posible cargo como elemento del nuevo gobierno. El comportamiento y la ideología de Stephen ya van vaticinando lo que posiblemente ocurra a mitad del filme si su estrategia de escalar al poder con Morris no resulta.

La película de Clooney compone un ajedrez, cada personaje que va entrando en escena es fundamental

La película de Clooney compone un ajedrez, cada personaje que va entrando en escena es fundamental, cada uno realizando sus propios movimientos, técnicas y jugadas, sacando del juego a uno, citando verdades o creando patrañas contra el otro bando. El personaje de Duffy es uno de los más seductores a pesar de tener un par de entradas en escena, intervenciones que provocan el nudo de la trama y el truco final, un interesante discurso sobre la estrategia y la discordia. Ida (Marisa Tomei) como una reportera de la revista Times y Molly (Evan Rachel Wood) como una reciente miembro de campaña son los personajes que terminan por modelar el lado personalista de Stephen quien en realidad nunca muta en ideas, a diferencia del gobernador Morris quien en un momento tendrá que menguar su espíritu idealista. George Clooney mediante su filme observa el lado pesimista de la política, un espacio en el que la sola campaña es la arena de batalla que termina por embaucar los más sinceras intenciones.

Lo mejor de Los idus de marzo es su reparto. Philip Seymour Hoffman y Paul Giamatti intentándose superar el uno al otro. Marisa Tomei, esta vez sin necesidad de albergarse en su imagen de madura sensual, sabe responder al carácter de una intimidadora reportera. Ryan Gosling por su lado interpreta nuevo personaje. Lo mejor del actor canadiense es que siempre se renueva, muy cambiante en los personajes que escoge y cómo los maneja. El rostro de Stephen está plagado de naturalidad, casi ajeno a la gestualidad o a los arranques, hay una serenidad imperante en el comportamiento de Gosling. Los idus de marzo es lograda, muy a pesar no alcanza el énfasis que por ejemplo películas como La cortina de humo (1997) o Los colores primarios (1998), bajo un código de sátira, logran desenmascarar el lado más perverso de la política. Es la contemplación idealista y moral que Clooney insiste en observar y la que termina por estancar su mismo drama. Una escena a mencionar es la última; en la afueras Stephen desairando a la reportera Ida, es nada más el antesala al cubículo del aprendiz que ha decido albergarse a su “lado oscuro”. En medio de las tinieblas, tras bambalinas, se aclara tenuemente su rostro a punto de dirigir su nueva orques

Notas Relacionadas:

1. Estrenos: ‘Poder y Traición’, ‘Al Borde del Abismo’, ‘Los Ilusionautas’ e ‘Inmortales’
2. ‘Mistura: el poder de la comida’ fue galardonado como mejor corto documental extranjero en el IFFF
3. El documental ‘Mistura: El poder de la comida’ fue estrenado en las salas estadounidenses

Lo gratificante en The help, además de no ceder a la tragedia brutal –muy típico de esta temática –, es que no hay una exclusividad en observar solamente el drama de la mujer negra dentro de una comunidad racista. La película trata en general del drama de la mujer, es decir, tanto la mujer negra como la mujer blanca sufren a manos de la rutina social. Por un lado, una lidiando frente a la discriminación racial, mientras que por otro, la mujer blanca dando la contra a los juicios machistas. Es la historia de Aibileen (Viola Davis), Minny (Octavia Spencer) y otras amas de casa, mujeres negras, víctimas de la desigualdad y el maltrato verbal de sus patronas. Es también la historia de Skeeter (Emma Stone), la mujer blanca criticada por ser estudiosa, emprendedora, independiente, “diferente” al prototipo de mujeres en su entorno. Hay además una comparación entre lo que es una mujer perteneciente a un espacio rural y una mujer cosmopolita. La película de Taylor intenta acercarse a lo aplicado por Steven Spielberg en El color púrpura (1985) al ir construyendo un discurso feminista que va más allá de la diferencia de razas.

Discursivamente, The help repone interés, respecto a su trama, la película no aporta nada nuevo al apostar por un drama facilista, casi gratuito. Mismos temas como la maternidad usurpada, el maltrato doméstico, la vejez, patrones que por naturaleza nos pueden provocar alguna que otra lágrima, pero nada gratificante. Respecto a las actuaciones, Viola Davis es la que se ha llevado el mayor crédito dentro del elenco, sin embargo, son las actuaciones de Octavia Spencer y la Jessica Chastain –interpretando esta última a una esposa blanca odiada por las otras esposas –las que rinden con mayor naturalidad. Davis hace bien su rol, sin embargo el drama que lleva consigo es único, uno que desentona con el resto de interpretaciones que se sortean entre bromas y muecas. Davis tiene más polenta para actuar en drama duros y The help no lo es.

Notas Relacionadas:

1. Prepárate para los Golden Globe 2012: Nominados a Mejor Actriz – Drama
2. Golden Globes 2012: Meryl Streep la ganadora a Mejor Actriz – Drama
3. Viola Davis se consolida como favorita para los Oscar 2012

Notas Relacionadas:

1. Adam Sandler será una hermana que volverá loco a su hermano en ‘Jack and Jill’
2. Adam Sandler es protagonista por partida doble en Jack and Jill
3. Trailer: Adam Sandler es Jack y Jill al mismo tiempo

Tom Cruise vuelve a ser Ethan Hunt.  A diferencia de las películas anteriores no se desarrolla más el personaje de Cruise. Esta vez la película no se extiende en un nuevo amorío ni en como llega a el, ni plantea el pasado de los demás agentes, solo tenemos una misión y esta debe ser cumplida cueste lo que cueste. El FMI ha sido cerrado al ser culpado de bombardear el Kremlin (un importante conjunto de edificios en Moscú), el agente Hunt y su equipo deben evitar una posible guerra nuclear para limpiar el nombre de la organización. Es precisamente en esto donde gana Protocolo Fantasma porque utiliza viejos recursos (pero que funciona). El director, Brad Bird, utiliza esa tensión entre viejos enemigos, Estados Unidos y Rusia y el miedo a a una guerra nuclear. Un equipo clásico. Tenemos a Paula Patton que por un momento hace de femme fatale, Simon Pegg que interactúa de forma espectacular la chispa de comedia entre los demás personajes y Jeremy Renner quien es el único que mantiene un secreto en la película…o así parece. Bird lleva las escenas de acción de forma inteligente y no nos aturulla ni ahoga la película en explosiones  como en Transformers.  Otra elección acertada ha sido la de volver ha trabajar con Michael Giacchino, quien ya nos ha mostrado su genialidad al componer el soundtack de películas como Up y Super 8.

Notas Relacionadas:

1. Increible tráiler de ‘Misión Imposible: Protocolo Fantasma’
2. Nuevo afiche para ‘Misión Imposible: Protocolo Fantasma’
3. Nuevo clip para ‘Misión Imposible: Protocolo Fantasma’

No ha pasado tanto tiempo desde la última aparición en las pantallas de Los muppets quienes para el 2005 realizarían Los muppets en el Reino de Oz, película que solo fue estrenada para la televisión y que obviamente no cubrió la expectativa necesaria de su público de siempre. A este le antecedieron muchas otras películas, Los muppets en el espacio (1999), Los muppets por aquí, Los muppets por allá, es decir, Los muppets se fueron a todas partes, divorciados y posiblemente fatigados de volver al estrado, lugar desde donde se hicieron conocidos realizando espectáculos de un libreto redundante que a pesar de todo creó un gran afecto para el público independientemente de las grandes celebridades que los visitaban. Los muppets, dirigida por James Bobin, es nada menos que el retorno triunfal de estos veteranos al show. Repito, no ha pasado mucho tiempo desde la última aparición de estos personajes, sin embargo nadie desde el cese de la última temporada en “The Muppet Show” se atrevió a traer nuevamente a las pantallas la clásica serie de los 70.
Walter, un chico marioneta, junto a sus amigos humanos Gary (Jason Segel) y Mary (Amy Adams) tendrán como misión reunir una vez más a Los muppets para un acto benéfico, evitar que el petrolero Tex Richman (Chris Cooper) –con su risa malévola incluida –se apodere de los antiguos estudios de “The Muppet Show”. James Bobin repite el mismo formato de la serie de televisión recuperando la vieja trama que un día planteara John Landis en Los hermanos Caradura (1980), sobre el malvado rico intentando arrebatar un recinto lleno de recuerdos y sentimientos, en esta ocasión evitándose de argumentos o explicaciones que amplíen la historia y dando más transcendencia a las bromas absurdas, aquellas que interactúan con un público invisible, o abriéndose paso a los musicales masivos donde de la nada aparecen decenas de bailarines coreando y coincidiendo cada paso de una coreografía que pretenden no ha sido planificada. A esto se agregan distintos cameos de personajes actuales y uno que otro representativo durante el Siglo de Oro de Los muppets. Si algo se interpreta de esto es que James Bobin no solamente hace un reconocimiento al “clásico público” de los 70, sino también hace una presentación destinada a un “nuevo público”.
Los Muppets toca el tema de la nostalgia, sentimiento que de seguro ha compartido gran parte del público estadounidense y que compartirá aquel que ha convivido con esta clásica serie. Desde otra perspectiva, como espectador “fuera del teatro”, mi neutral opinión es que Los Muppets logra crear simpatía bajo una multiplicidad de gags que son siempre bienvenidos al ser bien empleados. Kermit y su pandilla logran motivar a través de sus personalidades extravagantes sin necesidad de haber sabido poco o nada antes de ellos, y son posiblemente las letras musicales y los ritmos pegajosos lo más atractivo de la película. El filme sin embargo se conforma al momento de explotar el tema nostálgico al depender tan solo de las remembranzas al antiguo show, evocaciones que de hecho son en ese momento donde el “nuevo público” se siente extraviado o simplemente no logra captar dicha emotividad con un énfasis necesario.

Notas Relacionadas:

1. Estrenos: ‘Los Muppets’ y ‘Año Nuevo’
2. Los Muppets al cine con un gran elenco
3. ‘Los Muppets’ parodian ‘¿Qué Pasó Ayer? 2′ en su nuevo tráiler

El director Brett Ratner comete el grave error de no ofrecer el protagonismo necesario a Murphy, actor que hasta donde la memoria me alcanza, nunca ha realizado un papel secundario dentro de una comedia. Robo en las alturas se ubica dentro de la línea de los atracos, un grupo de individuos oportunistas decide realizar un absurdo plan para arrebatarle un botín oculto a un multimillonario. Ratner convoca se preocupa en dos cosas: reunir las caras conocidas pero además sujetándose bajo los estereotipos cómicos, por el ejemplo, el negro, el latino, el torpe, la mujer de grandes carnes y sensual, por último la figura antagónica como el magnate perverso. Están entonces Ben Stiller quien se ha divorciado de esa imagen del tipo bonachón al que todo le pasa para ser ahora un gerente de un edificio, está Matthew Broderick nunca antes tan apagado, definitivamente no es Matthew Broderick, se encuentra también Casey Affleck y Michael Peña, ambos actores incursionando en un género completamente ajeno a sus aptitudes. Téa Leoni y Alan Alda posiblemente son los tímidamente acertados, los demás simplemente no son.

Robo en las alturas es para olvidar al dedicarse a maltratar más bien las imágenes de actores como la de Affleck. Durante la película cuando en verdad aparece Eddie Murphy (casi al inicio de la película ya había aparecido y nadie se ha percatado) el público sobresalta como diciendo: “ahora sí empieza lo bueno”. Lo cierto es que no es así; Murphy parece estar tras bambalinas. Uno se pregunta cómo pudo aceptar un papel así, a dónde se fue tanto protagonismo, tanto ego de querer hacer una película interpretando por lo menos de dos a tres papeles a realizar uno secundario. Condolencias para los seguidores de Eddie Murphy.

Notas Relacionadas:

1. Eddie Murphy y Ben Stiller son los protagonistas de ‘Robo en las Alturas’
2. Estrenos: ‘Operación Regalo’, ‘Robo en las Alturas’ ‘Rito Diabólico’, ‘Después de la Vida’
3. Billy Crystal es el nuevo presentador de los Premios Oscar

Notas Relacionadas:

1. Desde Chile llega ‘Baby Shower’
2. Estrenos: ‘Reshinn Sangre de Anaconda’, ‘Terror en lo Profundo’, ‘Si Fueras Yo’, ‘La Profecia del 11.11.11′
3. UVK se prepara para el “Día del Cine” con la “Sala Perú”

No sé cómo lo hace (2011), de Douglas McGrath, encuentra su mayor traba al intentar burlar al espectador que quien aparece en su pantalla no es Carrie sino más bien Kate, es decir, una mujer que es todo lo contrario al personaje de Sexo en la ciudad; maternal, despeinada, improvisando vestidos, restos de desayuno en la solapa, rascándose algunos piojos prestados su hija, etc., comportamiento que tanto sus fanáticos como gran parte de la crítica no se les da la gana pasar por alto, algo que es natural e incluso a veces hasta inconsciente, algo así como haber visto hace algunos años a Pierce Brosnan y fingir que no estabas viendo a James Bond. Muy aparte de esto, lo cierto es que Sarah Jessica Parker logra realizar un papel honesto, doble papel que interpreta como madre y empleada, programando cada uno de sus movimientos, fabricando listas, justificando sus tardanzas al trabajo o en su propia casa. Una tarea humana, casi épica, cuestión que es familiar para muchos o al menos no es extraña en nuestra actualidad, y que el que diga lo contrario es porque no es de este mundo.

Es así como nos encontramos con el mayor reto del filme, crear una “nueva” o “ingeniosa” historia sobre madres con doble oficio, algo que ni Douglas McGrath ni su guionista Aline Brosh logran. No sé cómo lo hace no pasa de ser una comedia light, una historia simple, una madeja lanzada en tierra firme donde no existe camino accidentado. La historia de Kate es ausente de drama dilatados o grandes dilemas, nunca se refleja el verdadero cansancio que podría estar pasando tanto la madre como cada miembro de su familia. El gran error de esta película es que carga consigo una mirada optimista de la realidad. Brosh crea momentos en que el drama se asoma pero luego se apresura en pasar la página como diciendo “no pasó nada”. De pronto el marido de Kate es el esposo ejemplar, su suegra intentar ser mala pero se mide, su hija la odia pero la abraza, en conclusión una historia de mirada positiva con un final de “cuento de hadas”, irreal y sin inspiración. En conclusión, por ningún lado se salva la eterna Carrie.

Notas Relacionadas:

1. Estrenos: ’8 Minutos antes de morir’, ‘Mis recuerdos de Ana’, ‘No sé como ella lo hace’
2. Kate Winslet rinde tributo a Elizabeth Taylor
3. ¿Los primos Kapoor como jodi?

García-Montero se las ingenia para crear la personalidad de una niña que se mueve al ritmo de su realidad, insensible y pesimista, repitiendo los ataques histéricos de su madre o los relatos trágicos que ha leído en un periódico o escucha en la radio o televisión. Cayetana es una pequeña que es víctima de una precocidad insalubre, abstemia de la comprensión o más bien al mea culpa, algo que parece imposible por su misma naturaleza infantil. Al igual que su sociedad ella también evade su mundo real. Mientras Lima se resiste a observar como la violencia va tomando presencia, Cayetana escapa a la imaginación recurriendo a sus héroes, los nacionales, aunque estos interpretados a su manera, aquellos rostros que en su actualidad son vistos como personajes supremos, más en su propia realidad son simplemente humanos, antihéroes, víctimas de sus propios dramas, de sus miedos y deshonores, “realistas” con un idealismo a punto de extinguirse. García-Montero toma aquellos recursos históricos que han sostenido una verdad a medias, una realidad distorsionada, aquella que toma por alto ese lado triste e indiferente de nuestra Historia, actitud que posiblemente justifica ese comportamiento apático de la Lima de entonces, una engañada.

Las malas intenciones es una película que aspira realismo, desde la mirada franca que promueve Cayetana hasta la dirección artística del filme donde las tonalidades que se derivan entre el sepia y el tungsteno reflejan el inicio de una época oscura a punto de guardar luto. Fátima Buntix posee ese espíritu simulado y disforzado que Cayetana encarna al mimetizarse dentro de su sociedad, fingiendo ser lo que según ella cree necesita representar. Rosario García-Montero en su historia fraterniza la crueldad con la inocencia, una heredada por su sociedad, la otra innata y que la misma Cayetana inútilmente se resiste a refractar, a no sonreír cuando debe, a no abrazar cuando necesita, a no llorar cuando se siente triste. Dentro de todo un universo enclaustrado por el dolor y la indiferencia, Cayetana nos da una lección de vida, que cuando el mundo es cruel contigo y te niega es preciso hacer caer las lágrimas y dejar de ser invisible. Las malas intenciones es la última escena de la película, la mirada optimista en medio del pesimismo. Un tiempo en que los gatos no se ahogaban al bañarlos en leche y los heladeros viajaban por rutas lejanas e impensables.

Notas Relacionadas:

1. Festival de Lima 2011: ‘Las malas intenciones’ confirma su participación
2. Entrevista con Rosario García-Montero, directora de ‘Las Malas Intenciones’
3. “Las malas intenciones” en el Festival de Los Ángeles