e pongo a imaginar esta situación. Un día cualquiera, un grupo de sujetos convoca a una reunión sobre cuál sería el próximo proyecto cinematográfico para dar entrada a la temporada de verano. Bueno, todos hablan, las primeras ideas sobre un nuevo filme van brotando por sus bocas a modo de “lluvia de ideas”. Nadie ha meditado al respecto; es más, la noche anterior ninguno ha estado pensando que horas después tendría que están aportando ideas para una nueva película, la misma que tendrá como única meta multiplicar “x” veces lo invertido. Volviendo a la reunión, todos han coincidido que la película debe tener efectos especiales. Muchos efectos especiales. “Alabado sea Michael Bay”. Uno dice: “Entonces, hablemos de la trama”. “Que tal un superhéroe”, dice uno. “No, acuérdate ya se viene Los vengadores” “Ya lo sé. Un juego de mesa”, todos en silencio. “Buena idea”, asienten. “Sudoku” “Nooo, ¿y las bombas?” “Batalla naval”. La gente se excita. “¿Y quién será el actor estelar?” “¡Rihanna!”, grita uno. “Se levanta la sesión. Llamen a los guionistas”.

Ciertamente, esto es una broma. La construcción de una película es en realidad más compleja que lo descrito. Pero lo que sí demando es que si ellos han sido capaces de jugarle una mala broma a los espectadores, por qué yo no. Batalla naval (2012) es en serio una mala pasada. Esto es “serio”. Películas como estas son las que escritores como Mario Vargas Llosa se animan a redactar “hígado en mano” testimonios personales sobre la cultura en crisis, tal como sucede en La civilización del espectáculo. El director Peter Berg se basa en los peores referentes: Día de la independencia (1996), Pearl Harbor (2001), Transformers (2007). Mis sinceras disculpas a los fanáticos de Michael Bay, pero este director le ha hecho mucho daño al cine cuando de trama se trata. Está bien, sus efectos son increíbles, aunque muy redundantes e igual se disfrutan; pero, ¿es justo para el público ver una trama tan mediocre? Es un hecho que han salido o están saliendo malas o incluso peores películas que estas, pero el tema de hoy es esta película, basada en los malabares de antecesores como Michael Bay y guionistas.

Batalla naval se divierte creando una historia que saca de un molde, reinventando trivialidades y estereotipos, la misma dinámica, los mismos antagónicos. El sujeto con buen talento pero mala cabeza que buscará reivindicarse salvando al mundo de unos extraterrestres que vieron para qué, no sé. Me imagino que para conquistar el mundo. Junto a él, un trío de soldados: el bufón, el fornido y la mujer “masculinizada”. Rihanna parodiando a la figura que desesperadamente algunos llaman “la nueva heroína”. A eso qué le sigue, el grupo de los subestimados. La novia del futuro héroe (piel bronceada), el soldado inhabilitado y el científico; estos tres haciendo su propia guerra, los mismos que de alguna forma verán la manera de apaciguar esta batalla. Bombas, explosiones, Liam Neeson, seres fotofóbicos, el continuo coreo de la frase “son of a bitch”. El final, ya para qué.

John Cameron Mitchell

EEUU, 2010

Por: Carlos Esquives
A diferencia del resto de filmes que adapta también el conflicto de una pareja matrimonial que se enfrenta a la pérdida de un hijo, Al otro lado del corazón (2010) se esfuerza por no caer en las trampas del convencionalismo, sobre el drama exagerado o la historia que va acumulando tragedias a paso que los personajes intentan o se niegan a enmendar su desgracia inicial. John Cameron Mitchell, esta vez apartado de una línea que toca temas como la libertad sexual o las nuevas generaciones, dirige un drama doméstico plagado de elementos trágicamente agresivos que nada tienen que ver con un ambiente cómico y a veces de ensueño empleado en sus dos anteriores películas, Hedwig (2001) y Shortbus (2006).

Becca (Nicole Kidman) y Howie (Aaron Eckhart) tienen ocho meses de haber perdido a su hijo de cuatro años tras un casual accidente. Ambos van enfrentando su tragedia de su forma más conveniente. Becca ha decidido olvidar, mientras que Howie ha decidido enfrentar su dolencia. Una ha comenzado a borrar toda huella que le hace recordar a su hijo, mientras que el otro cree en los grupos de ayuda además de recurrir continuamente a los recuerdos familiares. Esos son los primeros veinte minutos de la película, es la etapa del autoengaño, cada uno se esfuerza por fingir que dicha formalidad es la solución a su problema. Lo que sigue es el clímax dramático, uno que se extiende en gran parte de la película. La pareja no puede disimular más, la relación pende de un hilo, pero a su vez ambos han conseguido sus propios refugios, un lugar para pensar mejor las cosas y aceptar su realidad.

Al otro lado del corazón (2010)

Como su título original lo anuncia (Rabbit hole), Becca y Howie, son dos seres dóciles e indefensos que han encontrado una madriguera donde cobijarse o escaparse, lugar que aparentemente resultaba ser un sistema de evasión más, uno errado e incluso retorcido, pero que resultó ser el único medio para aclarar sus ideas y entender la realidad de las cosas: ellos nunca se recuperaran. Al otro lado del corazón es cruel porque te aproxima a un final que no te anuncia una recuperación, sino más bien a un peregrinaje que no caduca, pero que sí cada vez es menos agreste, menos difícil de recorrer. Cameron Mitchell crea a personajes serios, pero que en ocasiones pecan de ser víctimas volubles que ceden al dramatismo light. Becca es una mujer siempre a la defensiva, algo que lo convierte en un cliché para sí al punto de poder predecir lo que está por ocurrir, sea en una conversación con un familiar suyo o un evento dentro de un supermercado.

Nicole Kidman como sucede en Birth (2004), reinterpreta a una mujer sufriente por una tragedia. La actriz australiana recrea la imagen de una esposa reprimida de sufrimiento que a la primera lágrima no hay quien la apacigüe. Aaron Eckhart es más bien novedoso, un actor que hasta el momento ha logrado tener su mejor rol dramático, algo que no le favorece en sus papeles como galán en películas románticas por tener consigo una actitud bipolar, un perfil agresivo, como se aprecia en su actuación como “Two faces” en Batman: El caballero de la noche (2008). El mejor papel realizado es el de Milles Telles interpretando a un joven estudiante. La presencia de este es vital dentro de la construcción anímica de Becca, y es a través de la mirada afligida y perturbada de este actor novato lo que promueve que no solo sean dos los que sufren dentro la historia, sino tres. Dianne West es otra actuación que vale mencionar, como la madre de Becca, no una perfecta ni tampoco la peor.

Pablo Larraín

Chile, 2010

El gobierno de Salvador Allende ha caído. Fuerzas militares han tomado el control político y civiles chilenos que fueron simpatizantes del anterior régimen son ultimados. Santiago es víctima de un gran genocidio. Las calles están baldías, autos abollados, casas ultrajadas, gente desaparecida, convoyes movilizando cuerpos victimados rumbo a la morgue. Post mortem (2010), dirigido por Pablo Larraín, es un filme que describe a una sociedad muerta en vida luego del ascenso de Pinochet, pero lo que es curioso es que parte de su sociedad ya vivía entre las sombras.
Mario (Alfredo Castro) es un el encargado de transcribir el informe de autopsia de los cadáveres que van llegando a la morgue donde labora. Mario es un ser inerte, su presencia parece brillar por la ausencia que provoca, una representación fantasmagórica que no importa a su alrededor, como tampoco parece perturbar. Mario se asoma como un fantasma en bambalinas de un teatro o en las oficinas del hospital y nadie se percata de su presencia o simplemente no toma importancia. Existe una mudez arraigada en su alrededor, sin embargo no es soledad la que refleja su rutina. Mario es de pocas palabras, no posee discurso ni intereses. Su reacción en casos es espontánea o en otros es dependiente de lo que ocurre en su entorno.

Post Mortem es un filme que describe a una sociedad muerta en vida luego del ascenso de Pinochet

Nancy Puelma (Antonia Zegers) es bailarina en un teatro. Ella se convertirá en la obsesión de Mario, convirtiéndose en el único motivador de este “muerto viviente” quien ciegamente va construyendo una relación ficticia junto a esta mujer. Nancy no observa su relación con Mario como algo personal. Ella, a pesar, también se confunde con una naturaleza cercana a la del asistente de la morgue. La bailarina se confunde en la textura grisácea que provoca Larraín en el filme, similar a la que crea en Tony Manero (2008), su anterior filme de ficción. Los personajes principales de Post mortem son como dos almas en pena, parecen vivir sus días inacabables en un purgatorio, lugar que irónicamente la misma Nancy anuncia temer.

Pablo Larraín comenta indirectamente sobre la condición humana del civil chileno, aquel que convivió con el gobierno de Allende y sobrevivió a la Dictadura de Pinochet. Un personaje en Post mortem teoriza sobre la evolución del hombre por medio del levantamiento armado. Ciertos excesos parecen justificarse por medio de una “selección natural”, aquella que promoverá a un nuevo hombre, uno mejorado, tanto físico como anímico e ideológico. Mario posee un rasgo característico en su comportamiento; él es un romántico. Es de aquellos que no se acuestan con cualquier mujer, que se ilusionan con un amor rápidamente, que creen en el matrimonio, en las citas de amor, sobre qué restaurant podría gustarle. Es posible que esa imagen inerte que emana Mario sea una abstracción de ese idealismo que refleja, una especie de comportamiento retrógrada, comportamiento que se replantea llegada una nueva era, la dictadura. La última escena describe a un nuevo Mario, uno desengañado, que parece actuar por primera vez por propia convicción; es un nuevo hombre.

Una escena memorable del filme es sobre la autopsia a un cadáver en presencia de distintos adjuntos del gobierno militar. La crudeza toma mayor grado en esta parte del filme al tener como introducción un evento cómico –posiblemente el único en la película –sobre una máquina de escribir y el impotente Mario que no logra dominar. Lo que continúa es el lado más realista y trágico de la historia.

Anahí Berneri

Argentina, 2010

El drama de intimidad puede sucederse de dos formas, a través de la interiorización o la exteriorización de los personajes. En el primero estos están sometidos a un estudio a fondo sobre sus sentimientos y pensamientos, comportamientos herméticos que se van interpretando a través de un ejercicio subjetivo. El otro es la manifestación de la cotidianidad, hechos objetivos donde nada es fingido, donde todo es real y actual. Por tu culpa (2010) toma la senda de esta última. La historia de Julieta (Erica Rivas), una madre de familia que cuida de sus dos hijos y que más tarde será culpada de un cargo que merece meditación.

Anahí Berneri dirige este drama maternal sobre la intimidad de un hogar. Este filme aporta debido a que a diferencia de otros ejemplares que narran un suceso cotidiano de una familia, Por tu culpa no se encierra bajo las cuatro paredes de un domicilio. Berneri hace una introducción a la historia. La película narra los hechos que ocurren un día cualquiera cuando una madre cuida de sus dos menores hijos, un cuadro que en lo habitual enfoca la ternura y la abnegación propio de la maternidad, pero que en lugar de esto manifiesta el agotamiento, el stress y el abandono. Julieta es víctima del bochorno provocado por la hiperactividad de sus hijos, lidiando además con su espacio laboral que ha mudado a casa y que inútilmente intenta efectuarlo. Un incidente ocurre y Julieta junto a sus hijos viajan al hospital. Es así como la intimidad de esta familia de a tres se muda hacia el espacio público.

Berneri aquí emprende lo novedoso. Lo íntimo de pronto deja de serlo, no por la mirada del espectador, sino por desarrollarse dentro de la misma ficción. Julieta es víctima del cuestionamiento social. En su hogar existen hechos diarios e íntimos, pero afuera existen leyes y evidencias. Es aquí cuando la madre ahora se enfrenta a dos realidades, la suya, de criar en solitario a dos hijos pequeños, y la social, sobre cómo esta observa y juzga su espacio, uno que ellos en gran parte especulan o desconocen. Por tu culpa se torna entonces más realista. La leve vitalidad de la madre que se observaba a inicios de la película se ha desvanecido. La imagen de Julieta es frustrante, sensible a los ataques. La mirada baja, el cabello despeinado, ojeras pronunciadas, distintivos que exponen a la mujer a ser culpada de algo que incluso nosotros no estamos seguros si es cierto o calumnia. Julieta parece llevar un estigma que juega en su contra, una suerte de mancha de sangre que se ha teñido en su polo, la cual ella misma lucha por esterilizar.

Por tu culpa es un filme que sugiere a partir de la intimidad familiar –bajo el continuo ejercicio de planos cerrados que nos obligan a ser objetivos con los personajes y sus hechos –. Berneri pone en balanza el juicio sobre un hogar donde no existe una imagen paternal, un lugar donde la tecnología es partícipe de una crueldad apropiada en el comportamiento infantil, un contexto social que parece funcionar bajo los prejuicios antes que los juicios. El filme pone en cuestión y en duda todo esto. La película sugiere desde el sentido que más de un personaje está bajo pena de sospecha. En Por tu culpa existe más de un culpable.

J.J. Abrams

EE.UU, 2011

Por: Carlos Esquives

Con un arraigo estadounidense, Super 8 (2011) va dirigido a todos aquellos que pertenecen a la generación de los 70’s, aquellos que se criaron junto a bandas psicodélicas como Blondie o ELO, aquellos que ansiaban tener su primer walkman, aquellos que iban a cualquier tienda y siempre les ofrecían “hierba”, aquellos que se pasaban viendo películas de terror todos los fines de semana, pero sobretodo esto va dirigido a todos aquellos que se fascinaron con la aparición del primer extraterrestre que era amigable, E.T. (1982), y entonces el cine tomó sentido para esta generación y todos los adolescentes querían encontrar uno de estos en su jardín para ocultarlo dentro en sus armarios.

J.J. Abrams dirige Super 8 (2011) y hace un sentido homenaje a Steven Spielberg, el productor de esta película y director que lo inspiró a escribir esta historia original basado en distintas escenas de la filmografía del aclamado director, enfáticamente la influencia del segundo Spielberg–el de mediados de los 70 a inicios de los 80 –. El filme narra la historia de un grupo de colegiales víctimas de una precoz fascinación por el cine y el gusto por crear cortos sobre zombies apoyados de una “super 8” que usaban a hurtadillas de sus familiares. Es 1979 y Abrams promueve un relato de verano lleno de remembranzas y ciertas nostalgias de aquellos años. Era inicio de los 80´s y una generación se encaminaba a una nueva revolución industrial y cultural.
Super 8 centra su historia en un hecho “de otro mundo”. Joe (Joel Courtney) y su grupo de amigos han sido testigos de un hecho insólito al momento de estar filmando uno de sus cortos; un tren en rumbo ha colisionado con un auto que invadió los rieles del tren intempestivamente, y lo que es más grave es que esto ha sido premeditado.

Hay una verdad oculta detrás de este suceso que al principio parecía ser parte del olvido del grupo, más luego va renaciéndose el interés al ir ocurriendo hechos inexplicables en el pequeño suburbio donde habitan. Perros desaparecidos, autos violentados, continuos apagones, electrodomésticos robados, personas no habidas. Películas como La invasión de los usurpadores de cuerpos (Don Siegel, 1956) y otras sci-fi de serie B nos vienen al recuerdo. Es un pueblo donde la normalidad de pronto es asaltada por hechos misteriosos y enigmáticos provocados por cuestiones que parecen de nunca aclararse. Se reluce aquí el Spielberg de Encuentros cercanos del tercer tipo (1977) y La guerra de los mundos (2005).

Abrams sabe localizar su filme según lo aprendido en las películas de terror o ciencia ficción de los años 70 u 80. Es preciso recurrir a los suburbios, lugares solitarios, pueblos alejados de las grandes ciudades donde la apacibilidad es parte del cotidiano, donde una muerte es mito o cosa de espanto. Spielberg es fanático de los suburbios, espacios donde busca la oportunidad de crear el pánico, pero uno que no estalla repentinamente, sino que se toma su tiempo, que se asoma sigilosamente. Si bien Alfred Hitchcock gustaba aprovecharse de sujetos comunes y corrientes para alterar su “normalidad”, Spielberg hace lo mismo con las comunidades, con pueblos, específicamente con suburbios, tal como ocurre en Tiburón (1975), E.T. o Encuentros cercanos…

Super 8 va construyéndose bajo ciertos arquetipos prestados de los filmes de Spielberg. En E.T. es un grupo de niños los que conocen íntegramente la verdad de los hechos. Así mismo mientras los niños están en escena, la presencia paternal es ausente, como deseando dar protagonismo exclusivo a los menores. La presencia del policía como padre de uno de los jóvenes –además de citar el cliché de las películas slasher –se reconoce en Tiburón, poseyendo este además un rol protagónico dentro de la historia. Abrams se deja influenciar por los filmes sobre seres monstruosos –generación de Alien, el octavo pasajero (Ridley Scott, 1979) –que van acabando con la ciudad y sus habitantes. Aquí se concibe la idea de “no mostrar al monstruo”. Super 8 posee una criatura que se resiste a asomarse, siendo la resultante un incremento de ansiedad y suspenso al no reconocerse prontamente la figura del “invasor”. En Tiburón, más que la manifestación física de la criatura, gran parte del trabajo se le responsabiliza a la composición musical de John Williams, a esto se le agrega además la “presencia ausente” de la criatura marina que también se toma su tiempo en aparecer íntegramente.

Argumentalmente, Super 8 hace otra leve referencia a E.T. Las criaturas espaciales de ambos filmes poseen una conexión anímica que solo un personaje tiene la capacidad de entender, un vínculo que crea un puente entre lo humano y lo extraterrestre. Abrams también asoma por debajo de su historia una trama dramática, un distintivo en las películas de Spielberg en el género sci-fi. Es casi un sello universal el que los infantes que viven en los suburbios sean víctimas de tragedias familiares, tales como la muerte de alguno de sus padres o alguna otra modalidad de orfandad. Esto ocurre en E.T., La guerra de los mundos, Inteligencia artificial (2001) y en dos de los personajes de Super 8.
Abrams se acerca también a otras rutas filmográficas. El corto “El caso”, filmado por los pequeños, es prácticamente una imitación de The crazies (1973) de George A. Romero. Uno de los lugares de locación del mismo incluso lleva el nombre del reconocido director. Stand by me (1986) de Rob Reiner, es otra fuente cercana, sobre el modo de describir a un grupo de niños cada uno con un comportamiento distinto al otro. Super 8 resulta ser un filme íntimo, sea por el ambiente nostálgico que se promueve como por la admiración a uno de los directores que impulsó su carrera filmográfica. La película sin embargo no sobrepasa más allá de un sincero tributo a Spielberg. La comicidad es posiblemente lo único propio en el director, lo demás resulta ser un rompecabezas que nos familiariza a otros filmes. Es preciso tomar en cuenta las buenas interpretaciones de la totalidad de personajes dentro del filme, especialmente la de Elle Fanning, hermana de Dakota Fanning, quien no precisa de alaridos o lloriqueos para hacer una buena actuación

TRANSFORMERS: EL LADO OSCURO DE LA LUNA

Michael Bay

EEUU, 2011

Por Carlos Esquives. Transformers: El lado oscuro de la Luna (2011), tercera y (esperamos) última parte de la saga de los extraterrestres metálicos, no es aburrida como su segunda parte, pero tampoco resulta ser buena o entretenida como la primera. Para ir aclarando, esto no hace de la nueva secuela un intermedio entre sus dos anteriores. Michael Bay en esta nueva versión si bien no aburre, decepciona por todos sus costados haciendo pasar el rato por medio de un derroche de efectos visuales y estridentes sonidos, subestimando al espectador con un relato “simplón” y caricaturesco. Bay hace trampa, nos vende “gato por liebre”, y lo peor es que no nos da oportunidad a decir que la película estuvo aburrida, porque en verdad no lo estuvo. Aunque, insisto, el que no fuera aburrida no es precisamente una buena señal.

Michael Bay no entiende que el hacer una película que sobrepase los 140 minutos no le favorece en lo absoluto. Antes que nada, incluirle más minutos a Transformers no implica que la batalla entre Optimus Prime y Megatron vaya alcanzar los doce rounds, ni mucho menos que gran parte de esos minutos sobrantes se aprovechará en hacerle más primeros planos a las curvas del reemplazo de Megan Fox. No, eso es de directores irresponsables, flojos y sin creatividad. Si la película quiere tener más minutos, entonces se le debe dar más historia, esa la única manera que al espectador no le hagas recordar que estrena un nuevo reloj o que ha tomado mucha gaseosa. Michael Bay lo sabe y es por eso que la historia comienza a ampliarse. Lo que Bay no sabe es elegir a sus guionistas, escritores destinados para un público infantil –y eso –y no para una generación que, por ejemplo, ha decidido dar pie a sus remembranzas infantiles lo cual no quiere decir que los tomen por ello.

“¿y si mas bien traemos nuestro planeta al planeta tierra?”

Transformers argumentalmente parte de un enunciado ya conocido: “¿y si invadimos el planeta tierra?” Claro que su guionista lo cambió a “¿y si mas bien traemos nuestro planeta al planeta tierra?” Vamos, eso sí que es imaginación. Denle un Oscar, por favor. Pero esto es apenas el inicio. La trama nos muestra –nuevamente –a los Decepticons cocinando un nuevo plan. Megatron no escarmienta luego que Prime y los Autobots le han pateado dos veces el trasero (como en los dibujitos), así que prepara una trampa donde sus principales aliados son un humano y un Autobots envejecido (pregunta, ¿los robots también envejecen?, y de paso ¿es que no hay mujeres robots?). Buena fórmula. Si algo se podía esperar es que los humanos nunca dejarán de ser humanos y la traición hacia sus protectores se veía venir, y lo que es más alentador es que además a esta traición se une uno de su misma raza y clan. Muy a pesar, todo esto ocurrirá cuando la película ya está por la mitad y para entonces mitad de la sala ya está “triste”.

Michael Bay recurre a los argumentos baratos, exagera en su comicidad, una que es agradable mas hasta cierto punto, ya luego cansa. Gran parte de la primera mitad deTransformers es un filme lleno de gags y personajes histriónicos o bipolares, esos que nos agradan pero  que a mi parecer era más que suficiente con la presencia de John Turturro. A la tropa se agregan Alan Tudyk (Muerte en el funeral) y Ken Jeong (¿Qué pasó ayer?) incluido su apelativo de “the w(r)ong guy”. Y si no fuera poco John Malkovich es la cereza del helado haciendo el papel de un orate. Los personajes de los padres se llevan las medallas de oro, padres de familia sacados de American Pie, seres que son inoportunos al límite. Está ocurriendo una masacre haya afuera y a ellos les importa un bledo, en lugar de eso se ponen a resondrar al muchacho –Shia LaBeouf hace el papel de un personaje de Ben Stiller –le conversan sobre la relación en pareja, un poco de sexo, el chico recapacita y de pronto “ve la luz”, sus padres tienen toda la razón y sale corriendo por la amada. Eso se llama “momento Kodak”, un hecho inverosímil de pies a cabeza. Puedo creer que existen robots que hablan a través de una sintonía radial, pero ¿una reunión familiar en medio de una invasión extraterrestre?

Rosie Huntington representa un elemento carnal dentro del filme, nada más

Rosie Huntington representa un elemento carnal dentro del filme, nada más. El personaje de la mujer sensual parece no abonar una representatividad dentro de la trama fílmica, no hasta que se le ocurre ir a meter cizaña a la cabeza de Megatron, cosa que logra. ¿Qué significa esto? ¿Las mujeres son especialistas para disuadir? O es que acaso Michael Bay se habrá dicho “la mujer no puede estar de manos cruzadas, tiene que hacer algo”, así que la arrastró a gatas hasta donde estaba descansando Megatron a “hablarle a la orejita”; soy la voz de tu conciencia. Megatron le hizo caso, y todo para limpiarle el terreno a Prime y este termine por sacarle la cabeza con todo y espina dorsal, algo que pudo haber ocurrido de una u otra forma ya que habían suficientes Autobots, robots que misteriosamente desaparecían de escena cuando los soldados humanos actuaban pero justo cuando se encontraban en peligro, como por arte de magia aparecían para salvarlos (como en los dibujitos), luego volvían a desaparecer, no se sabe si para ir a matar unos cuantos Decepticons o para echarse una siestita, yo no sé.

Por último, Transformers se da el tiempo para poner su sello de “esta es una película hecha por estadounidenses”. Aparece la famosa banderita flameando, las fuerzas armadas siempre aguerridas, una CIA correctísima al mando de una Frances McDormand que se la pega a comienzos de mala y el perfil político donde se asoma un tal Obama quien ofrece medallas a las que nadie hace caso y una “Torre Trump” siendo el espacio ideal para iniciar una guerra –aunque ya nos enteramos que no postulará para las elecciones; creo que Bay no –. Por cierto, también estuvo en escena Buzz Aldrin, el de carne y hueso, confirmando no solo que el viaje a la luna nunca fue rodado en un estudio de Hollywood, sino que además fueron los tres astronautas del Apolo 11 los que descubrieron primero a los Transformers.

Scott Steward

EEUU, 2011

La fiebre de los vampiros no termina por extinguirse. Los hemos visto en todas las situaciones, en todos sus ámbitos, de distintas formas, bellos, espantosos, grandes y pequeños, desnudos o en harapos, vistiendo terno y corbata, buenos y villanos, armados “hasta los colmillos”, pistolas, cuchillos, sables, bazucas, e incluso sin ellas, te enfrentan a puño limpio, algunos saben karate, son ninjas, te hacen llaves especiales, son inmunes al ajo y al agua bendita, no tienen miedo al signo de la cruz y algunos hasta ya les gusta tomar sol; es decir, ya basta con los vampiros, a menos que sea para algo innovador, no como El vengador (2011) que se dedica a reunir todos los argumentos ya aplicados por los de su género.

Basado en una novela gráfica coreana, el director Scott Steward adapta una nueva historia apocalíptica, la tan mentada lucha entre los humanos y sus antagónicos de siempre, los vampiros, unas criaturas mortalmente ágiles y fuertes, inmunes a cualquier ataque que venga a manos de un ser común y corriente, pero frágiles ante las habilidades de los “sacerdotes”, hombres y mujeres que fueron entrenados únicamente para la casería de estas criaturas perversas. El vengador relata la historia de dos sacerdotes y un cowboy que van al rescate de una joven que fue raptada por un ser mitad hombre mitad vampiro.

El contexto de este mundo futurista está fijado en una realidad orweliano, un “Gran hermano” eclesiástico obliga a todos los ciudadanos a mantenerse fieles ante una cristiandad lúgubre y controladora, la que supuestamente a logrado controlar la plaga vampírica enclaustrando a su raza en una gran prisión. El planeta a pesar de estar ajeno a los ataques enemigos está contaminado por un paisaje desolador. El mundo luce infértil y oxidado. En el crepúsculo la luz es tenue y una cortina de cenizas cubre la atmósfera, mientras que en las mañanas el territorio es soleado y árido iluminando pueblos que simulan al viejo oeste, un estado de abandono deplorable. Los humanos son sujetos sucios, visten retazos maltrechos, el hambre y el miedo se reluce en sus rostros, son como animalitos yendo de un lugar a otro, al confesionario, a las misas, a que les laven el cerebro. Nada de esto es nuevo.

El vengador está basado en los rasgos trillados como los fines de la urbanidad, el estado teocrático, la hibridez del vampiro-hombre, las luchas acrobáticas (que por cierto son tremendamente aburridas), ya de por sí todo el género es trillado. El argumento es perezoso, también una vuelta de tuerca dramática sobre que “él no es el padre, soy yo, pero no lo sabe”. Hay un intento por combinar las artes marciales con las balaceras del viejo oeste, pero terminar por olvidarse de ello. La simulación en el modo 3D pasa desapercibida, es infértil. Uno se pregunta cómo es que llegan a salir al mercado este tipo de películas; sí, ya se, lo sabemos.

Crítica escrita por: Carlos Esquives

Jennifer Yuh

EE.UU, 2011

Kung Fu Panda 2 pasa a ser una película entretenida, con un humor más logrado y lo que es más atrayente, con una historia

Cada vez que hablamos del cine de animación en Estados Unidos, Pixar y Dreamworks –dos de los estudios de animación más fuertes dentro de la industria– son piezas medulares dentro del mercado. Ambas compañías, sin embargo, se ven distintas una a la otra y esto no solo por la cantidad en producciones que cada una ha logrado hasta la actualidad – Dreamworks hoy casi ha duplicado su número de largometrajes animados frente a Pixar muy a pesar que ambos entraron en carrera coetáneamente –sino por el mismo contenido dentro de sus filmes. Pixar y Dreamworks se ven diferenciados correspondientemente entre el crear historias y generar franquicias; muy a pesar, cada una nunca estará ajena a la demanda.

Un caso conocido sobre franquicias es Shrek, la historia del ogro que pasó de ser historia a ser un producto de explotación desgastado, siendo ahora el gato quien “pagará pato” con su próxima entrega de la Dreamworks, El gato con botas (2011). ¿Es que siempre las secuelas afectarán al producto original? No pasó con Toy Story (1995), ni tampoco pasa con el panda que lucha Kung Fu. Confieso que la original Kung Fu Panda (2008) no es de mis favoritas, es más, fue un evento aburrido, es por eso que cuando se va a ver una secuela de una película –sea animada o hasta en 3D –que te fue aburrida, las expectativas son en mayoría desfavorables. Esto nunca sucedió, sino lo contrario. Kung Fu Panda 2 (2011) pasa a ser una película entretenida, con un humor más logrado y lo que es más atrayente, con una historia. A continuación: por qué Shrek pasó de ser un ogro simpático, a ser una especie insoportable digna de pasar a la extinción.

Kung Fu Panda 2, dirigida por Jennifer Yuh, no es la misma historia ni la continuación de la primera, es más bien la ampliación de la original. Nuestro héroe Po, ya convertido en el “Guerrero Dragón”, tiene una duda por aclarar ¿Cómo es que un panda puede ser hijo de un pato? Así es, algún día tenía que preguntárselo. Conclusión, es adoptado, nuevas dudas, ¿quiénes son mis padres? Aquí ya se asoma una historia atractiva. No es que sea atrayente conocer el origen de los héroes, lo que es seductor es conocer “cómo” el panda llegó a manos de su padre-pato. Esa respuesta la conoce Shen, un ex heredero al trono de China que fue desterrado por sus padres y que ahora vuelve para reclamar lo que es suyo. Shen además de traer el pánico trae una verdad consigo, el sabe quiénes eran los padres de Po, y no solamente eso, sino que él fue el responsable de la separación del panda con su familia natural.

Sin querer, la historia va por las rutas temáticas de los clásicos de las artes marciales. El reencuentro con el enemigo años después es un evento clave que pone a prueba las habilidades del alumno kung fu a punto de superar o convertirse en el nuevo maestro. Po es el que fue un individuo más, pero que en manos del kung fu encontró la senda de lo mítico, él es el “Guerrero Dragón”, y ahora tendrá la oportunidad de verse cara a cara con alguien que desconocía, o más bien, de alguien que ignoraba, pero que su lazo familiar, uno latente pero dormitado, ha comenzado a despertar, a reclamar, a clamar venganza. La historia se torna interesante cuando nos enteramos que Po y los “cinco furiosos” tienen un nuevo enemigo, y lo que es mejor aún, es que esta vez sí es personal. Es así como Po no solo lucha con los secuaces de su nuevo enemigo, sino con su pasado, recuerdos borrosos que poco a poco va remembrando hasta reconocer que Shen es el individuo culpable de su anonimato. Será su enfrentamiento con él donde comprobará sus grandes dotes en el kung fu.

Kung Fu Panda 2 funciona porque no se recluye ante una historia apresurada. Se limita a colocar apenas un nuevo personaje, uno transcendental que será el enemigo. No hay seis, siete u ocho furiosos, el grupo sigue siendo de cinco, no se necesita de más personajes para hacer divertida la situación. Po si bien no tiene una nueva aventura, esta está relacionada a la que nosotros ya conocemos, cosa que nos interesa. La historia continúa, pero tampoco es la misma. Y lo que es más importante, los chistes no son los mismos. Shrek sin embargo, se dedicó a hacer más amigos, se dedicó a pelearse y a reconciliarse una y otra vez, se dedicó a hacer hijos, los mismos enemigos, las mismas derrotas, pero ahí están, no escarmientan. Los mismos diálogos “la gente no me acepta porque no soy ogro”, y el burro por delante “soy burro pero me aburro”. Esto se llama franquicia porque a pesar de haber sido una saga cada vez más insoportable, todos los Shrek siempre fueron bien recibidos por el público, fieles al castigo.

La nueva historia de Po y sus amigos también es atractiva por sus espacios de la antigua China, tanto en su cromatismo, su geografía abierta, sus rutas por los palacios y mercados. Una escena entretenida es una persecución vehicular entre espacios angostos, lidiándose entre verduras y conejos. Una escena introductoria muy motivadora es la pelea inicial. La combinación de piruetas es casi una versión de las luchas de Jackie Chan (quien hace la voz original de uno de los personajes). Es una película de artes marciales, den al público artes marciales, no nos hagan esperar. La modalidad en 3D se presta para el filme, una que otra imagen tal vez no resulte tan atractiva en su modo 2D, igual no es gran cosa. Lo que sí es factible decir es que en su idioma original definitivamente no creo sea superada por la doblada. La voz maligna de Gary Oldman crispa en la imagen del maléfico Shen.

Crítica escrita por: Carlos Esquives

Los agentes del destino no deja de ser un filme provocador y con un enganche medular.

Los agentes; qué es lo primero que se nos viene a la mente cuando vemos entrar en escena a estos personajes de gestos limitados, carácter incorregible, mirada de pocos amigos, vestidos de color oscuro y siempre luciendo una moda igual al otro. “Algo no anda bien”, “aquí hay gato encerrado”, “peligro, peligro, a correr”; son una de las tantas frases que se nos cruzan cada vez que estos sujetos salen de entre las sombras, seres casi fantasmagóricos que surgen de lugares imprevistos.

Son sujetos que si preguntaran por ti es porque algo malo habrás hecho, o tal vez porque sabes algo que no deberías saber, algo que te enteraste por casualidad, situación que nunca debió ocurrir, pero por cosas del destino fue así.

David Norris (Matt Damon) es “el hombre que sabía demasiado”, sólo que a diferencia del personaje –dos veces adaptado –de Alfred Hitchcock este hombre no es un sujeto cualquiera. Norris es un aspirante a senador con un futuro próspero en la política, garantía que no se sospecha, sino que se asegura debido a que el destino así lo dice y, por lo tanto, así debe suceder. Los agentes del destino (2011), dirigido por George Nolfi es, al igual que Matrix (1999) o El origen (2010), un filme que muestra un lado desconocido de la realidad, evidencia que sólo las personas indicadas deben de conocer o dominar. La infiltración de un sujeto ajeno a ese conocimiento podría provocar la alteración del orden de “lo real”, y Norris se ha enterado de aquello, algo que no iba con el plan y, lo que es peor aún, el político no descansará hasta contradecir lo que está establecido, su propio destino, todo eso desde que conoció a Elise (Emily Blunt).

Lo atractivo de Los agentes del destino es que se trata de un drama romántico, el amor entre un político y una bailarina de ballet, seres que si bien se enamoran mutuamente van contra el destino. En esta realidad todo está planificado, cada uno tiene una historia escrita, aquella que no puede ser modificada y que será vigilada las 24 horas por unos sujetos que actuaran cada vez que sea necesario, sujetos que pasan desapercibidos, que son capaces de transgredir las leyes de la física sin necesidad de alguna ciencia. Unos los llaman “ángeles” pero ellos prefieren llamarse “agentes”, personajes que trabajan para un “presidente”, el creador de los destinos. Norris y Elise tenían un destino que los presentó para luego separarlos hasta el fin de sus días, sin embargo será el descuido quien los reunirá nuevamente desatando un amor idílico, no una tragedia para el mundo, no un escarmiento para los “agentes” ni tampoco el inicio del fin del mundo, son los lazos indestructibles del amor la idea central de esta historia, no lo que les ocurra a los demás, y felizmente.

Los agentes del destino posee más de un cabo suelto al momento de exponer las leyes del “destino” y la “coincidencia”. Existen varios sucesos en la historia que se nos provocaría preguntarnos, ¿qué acaso el “presidente” –sea Dios, Mahoma, Obama o la misma FBI –, aquel que tiene la potestad de crear vidas o historias, no puede prever las fuerzas de la casualidad? Es acaso que no ha aprendido nada en todos esos miles de años –incluido un descanso que debió de haberse auto capacitado –fabricando destinos, aquellos que siempre están expuestos a casualidades, azares de la vida, traspiés que, ¡vamos!, mínimo debe asegurarse de tener un plan “B”, “C”, “D”, etc. No estamos hablando de si ocurre el caso decir “bueno pues, ya no importa”; pues no. Se trata de una historia que se supone debe funcionar a la misma sintonía de las otras, como engranajes en una máquina.
Pero este “presidente” parece no importarle y resultar ser más bien “presidente de la improvisación”. El hecho es que está demás cuestionar eso gracias a que la historia central es el amor entre dos personas, y no si el mundo colapsa. El amor tiene que cumplirse, y ya lo que suceda luego es problema de otra película.

Existe, sin embargo, algo que sí es inevitable pasar por alto. La figura del agente es más que ineficaz dentro de la historia. La unión entre Norris y Elise es la meta final de la historia, aquella que, se supone, durante la duración del filme debe ser interpuesta, estorbada, obstruida, entorpecida por “los hombres que visten sombrero”. Qué encontramos en el camino, un agente que tira para el otro bando, uno que busca “la misión” y otro que se las pega de malo. El primero maltrata el estereotipo del linaje de los sujetos implacables, sin sentimientos, seres petrificados por la inhumanidad que corre por sus venas. A este tipo sí deben de llamarlo “ángel”. El segundo más que una misión parece desenvolverse en una prueba; descuido tras descuido, torpeza tras torpeza, parece ser víctima del “síndrome de los tres chiflados”. Y el último se cataloga de ser un verdugo, algo que es totalmente contrario a la imagen del primero; digo, ¿quién es el que selecciona a los “agentes”? ¿Cuentan con un servicio de Recursos Humanos?, no lo creo.

Los agentes del destino no deja de ser un filme provocador y con un enganche medular. El nivel de la fotografía se apremia, así como la interpretación de los personajes. Dicen que Matt Damon y Emily Blunt hacen buena pareja, es cierto. De todas formas George Nolfi debe agradecer al público que vive de los amores imposibles, aquellas historias de lucha constante que encaran y niegan contra viento y marea hasta al propio destino; eso es amor.

Crítica escrita por: Carlos Esquives

LET ME IN

Matt Reeves

EE.UU, 2010

Terror, Fantasía Drama

Las historias de asesinos y fantasmas han sido, tras últimos años, tónicos de una liberación visceral y sangrienta; nada más. Películas del género de terror han caído en tal redundancia que parece percibirse más un aire de secuelas que filmes con una creatividad autónoma, siempre fijándose en el atrás o en el costado. Déjame entrar (2010) se aprovecha de la fiebre vampírica motivada por la saga de Crepúsculo, sin embargo, niega sus estereotipos, como también los del género de terror.

Matt Reeves (Cloverfield, 2008) es quien dirige este remake de la película sueca Criatura de la noche (2008), de Tomas Alfredson. A diferencia de su original, el contexto de Déjame entrar está ubicado en la zona de nevados en Los Álamos (Nuevo México, EE.UU). Su temporalidad se concentra en la década de los 80, tiempo en que EE.UU aún terminaba por reaccionar a los cambios políticos y social-urbanos. La Guerra Fría seguía en campaña y el imaginario de los suburbios era una víctima más de los discursos subliminares, aquellos que definían el “bien” y el “mal” (hay una escena donde aparece el entonces presidente Ronald Reagan hablando sobre aquello) haciendo derecho a la ley del más fuerte. Desde este perfil, Déjame entrar se mueve en un tiempo donde las desigualdades son notorias, y el más débil, o el que es diferente, está expuesto a los ataques o a la incomprensión.

'Let Me In': Abby y Owen

Owen (Kodi Smith-McPhee) y Abby (Chloe Moretz) es una pareja de niños, ambos de doce años, amigos por una afinidad fundamental; ambos son dos seres solitarios. Noche a noche ellos coinciden en encontrarse en medio del vacío, reunidos en un juego infantil fabricado de una estructura de metal, una baldía y congelada por el clima sólido de los nevados, tal como sus mismos personajes. Owen dentro de su hogar es ajeno a una vida familiar. De padres divorciados, Owen comparte su vida hogareña con su madre, una que sufre problemas emocionales. Nunca la imagen logra identificar el rostro de ella, siendo esta una prueba que su presencia no es elemental para el pequeño. En su colegio Owen será víctima de los maltratos de un grupo de rufianes de su mismo salón. Ahuyentado una y otra vez, el niño se ha ganado el apelativo de “niñita”, agravándose así su inseguridad y su soledad.

Por otro lado, la soledad de Abby es asumida de distinta forma que la de Owen. Abby es una vampira. Desde hace mucho su naturaleza ha sido la de una niña de doce años, aunque siempre alejada del brillo del sol y del contacto humano, a excepción de su guardián. Owen será así el alma humana que se acerca a la comprensión de una naturaleza tan distinta a la suya; el vampiro, matar para vivir. Abby, así como ocurre con cualquiera de su especie, sobrevive de la sangre humana, aquella que le dispone su guardián o ella misma. Owen se convertirá así en cómplice, no necesariamente por amor, sino por una necesidad inconsciente; Abby le ha heredado una seguridad a su nuevo acompañante, una que le ayudará a enfrentar a sus verdugos, una actitud que en su soledad era capaz de recrearla, más nunca manifestarla. Owen y Abby pasan a ser complemento, uno necesitará del otro, Owen de una frialdad asesina, una que es innata a la naturaleza vampírica, mientras que Abby de una naturaleza más afectiva, una más humana. Desde un punto de vista distinto, Abby parece poseer una naturaleza completamente perversa, una que pueda confundirse con sus momentos de “humanidad”, pero que se ven contrapuestos por su actitud manipuladora, una suerte de “tú dependes de mí”, como un conde Drácula en búsqueda de su “Reinfield” o súbdito, algo que se logrará comprender cuando en la película irrumpa una foto, pieza clave dentro del filme.

Let Me In – Owen (Kodi Smith-McPhee) y Abby (Chloe Moretz)

Déjame entrar, al igual que su versión original, interpreta al personaje vampírico desde un punto de vista distinto, uno más humano, como queriéndose divorciar de su propia naturaleza. La imagen de los niños de doce años emanan un aura sumiso y casto, este último detalle es importante tomar en cuenta debido a que, a diferencia de Criatura de la noche, la película de Matt Reeves se interesa por intensificar un ambiente más afectivo, casi una antesala al deseo carnal, al descubrimiento de la sexualidad, una que Owen aún desconoce y que de vez en cuando curiosea tímidamente desde su ventana al ver a una vecina suya. Déjame entrar, sin embargo, peca a veces de los útiles comerciales. El efectos especiales en la mayoría de veces son desacertados (la escena del auto es una de la pocas bien usadas). Asimismo, la banda sonora, incluidas las pistas de música de los 80’s, no son tan seductoras como la mudez que reinaba en la película de Alfredson. Criatura de la noche es una película muy lograda, es desde este sentido inevitable no compararla con el remake que efectivamente no alcanza la estética de su original.

Crítica escrita por: Carlos Esquives